
Музика Класика бр.. 43/44
година XV, јануар 2024 - јануар 2025.
На концертном подијуму
5. јубиларни „РАВАНЕЛИЈУС“, 2024. године
Сњежана Павићевић, флаутистиња и пиколо флаутисткиња
СОМУС 2024.
Клавирски дуо Ведран Јањанин – Иван Крпан
Музика и око ње
ПОВОДОМ 100. РОЂЕНДАНА РАДИО БЕОГРАДА
XII Такмичење „Српска соло песма“
Једно сасвим посебно музичко пријатељство
Стасавање нових композиторских снага (мај 2024)
Музика и храна
Кекс торта за 30 минута Предрага Митровића
Музичко позориште
Драшко Аџић, композитор
Две деценије од премијере култног балета „Ко то тамо пева“
Славимо Пучинија
Сусрет са историјом
Зора Бокшан Танурџић, редитељка
Фестивали
Критике
н а к о н ц е р т н о м п о д и ј у м у
5. јубиларни „РАВАНЕЛИЈУС“,
2024. године

У Ћуприји је од 5. до 12. јула одржан „Раванелијус“ – 5. фестивал музичке изузетности. Пратећи програмски квалитет, али и чињеницу да се одржава у граду у коме успешно делује Школа за музичке таленте, и овогодишњи програм био је усмерен на сјајне концерте на којима су наступали и најупешнији ученици и полазници мајсторских радионица. Био је то повод да разговарамо са уметничким директором и оснивачем фестивала, Драганом Ђорђевићем:
- На отварању је наступио Национални симфонијски оркестар Србије, ансамбл који је, да кажемо, фестивал и основао. У част петогодишњице фестивала имао сам идеју да оснујем један такав ансамбл, јер свака држава, осим наше, има национални ансамбл. Идеју сам добио када сам пре две године боравиоо у Румунији. Тада сам имао прилику да чујем њихов Омладински симфонијски оркестар, који чији чланови имају од шеснаест па до тридесетак година. Тај оркестар је звучао сјајно пре свега због тога што је састављен од најбољих младих музичара који немају стално запослење и професионалаца. Пети фестивал сам видео као одличну прилику да тако нешто урадим. Уз помоћ мојих сјајних колега, музичара, који су се сви одазвали томе, ми смо успели то да урадимо, и ја сам им лично свима поносан и веома захвалан, посебно Миљани Поповић Матерни, која је била и концертмајстор, и која је заправо позвала све те наше колеге. На концерту смо имали и госте - солисте и диригента из Кине. На отварању сам свирао и ја, желећи да као извођач имам успомену са тог концерта.
Чланови оркестра су и ученици, или можда некадашњи ученици Школе за музичке таленте у Ћуприји. Они су делили пултове са, могу да кажем, доајенима оркестарског музицирања.
Јесте, и то је један од момента који је тој вечери дао посебан чар. То је и доказ да је школа добро радила претходних, сада већ 51 годину. Много некадашњих ђака сада су већ успешни солисти, и професори, и педагози и оркестарски свирачи, а неки су тек на путу да то и постану. Тако да је реултат свега тога лепа симбиоза свих који су седели заједно у оркестру, а они су, судећи по реакцијама публике и гостију, направили диван концерт.
Програм се састојао од дела најпопуларније класике, што је за фестивал, и за отварање фестивала, заиста добар програм. Такође, изведена је и музика из опуса кинеског композитора.
Моја идеја је била да на репертуару буде и неки кинески композитор, односно можда чак и нека кинеска традиционална музика, али то је било мало тешко извести, зато што она обухвата много инструмента које ми заправо немамо. Дин Шанде је један од кинеских најпознатијих композитора. Од њега смо добили дозволу да премијерно његову композицију управо овде.
Публика била заиста задовољна. Велики број људи дошао је на овај дивни концерт на отвореном.
Ове године фестивал се, као и претходних, усмераво на концерте различитог типа - од оне стандардне класике до програма који је намењен деци, до трибина, уопште свега онога што би можда и музичким професионалцима, али и не само њима, било интересантно.
Отворени простор је једноставно право место за ширење интересовања према самој музици.
То је тачно! Сваки фестивал је за нас који га организујемо и за нашу публику велико учење. Управо зато су нам теме сваке године другачије. Ове године смо имали округли сто, који се бавио темом „Изазови организације Међународног фестивала“. Тим поводом гошће су биле уреднице музичког програма ЦЕБеФ-а - Јелена Јанковић-Бегуш и Милица Кадић, већ прекаљене менаџерке и музички продуценти, које раде у нашој најелитнијој културној институцији, која организује концерте и концертне серије, фестивале и, наравно, програме за децу.
Када смо пре пет година разговарали о фестивалу „Раванелиус“, рекли сте да сте желели да се Вашем граду у коме сте провели време и као ученик Школе, на неки начин и у том уметничком смислу одужите. Наступали сте током своје успешне каријере са најеминентнијим и домаћим и иностраним солистима, да сте неки од њих довели и овде. Како данас гледате на фестивал? Да ли сте имали осећај да че он овако да се развија? Данас то није само локални фестивал који је намењен уском кругу људи, већ видимо да је интересовање људи и публике заиста велико.
Јесте, хвала на овом питању. Ево сада док постављате питање емоције су одмах прорадиле. Ми смо наравно имали снове и жеље и они су увек, кажем, искрени и велики, али некако морам да кажем да нисам имао наду да ће овако нешто да се успе за само пет година. Ако могу да будем несклонан, много сам срећан и поносан ко је све до сада наступио. Желим и да се захвалим и да кажем да без пријатеља, музичара који су долазили, без њихове подршке ми не би имали овако сјајне програме и то само за пет година. Ту је свирао Немања Радуловић, светска звезда, мега звезда, диван човек, најпре, а онда и самим тим већ доказано вансеријски уметник. Он је привукао највећу пажњу, а ми смо чекали тај концерт са „Дабл Сенсом“ две, три године. Његов концерт је много значио за фестивал, јер је на њега „преко ноћи“ скренуо пажњу. То нам је помогло да ове године имамо уметнике као што су Максим Ризанов, Никита Борисоглебски, Дора Кокаш, Разван Сума - озбиљне светске уметнике који су дошли.
Имате и подршку градских институција.
Оно што ја могу у пар рећи да кажем јесте да је врло важно да имате подршку градских институција, јер без тога стварно могу слободно да кажем је немогуће организовати озбиљан фестивал. Ми желимо да овај фестивал живи дуго, дуго и да га оставимо неким генерацијама који ће то даље да раде, надам се и боље од нас. Наравно, они ће увек имати нашу подршку!
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
н а к о н ц е р т н о м п о д и ј у м у
У ери процвата
пиколо флауте
Сњежана Павићевић, флаутистиња и пиколо флаутисткиња

Треће издање фестивала „Београдски пиколо викенд“, који организује Удружење флаутиста Србије, у сарадњи са Италијанским институтом за културу у Београду, одржано је Београду од 20. до 22. септембра 2024. године Реч је о догађају посвећеном пиколо флаути, најмањем инструменту из породице флаута, са циљем да се адекватно уврсти у педагошку и концертну праксу у Србији. У оквиру фестивала организоване су мајсторске радионице, предавања, изложбе и концерти. То је била прилика да разговарамо са пиколофлаутисктињом Сњежаном Павићевић, ауторком овог пројекта.
Сњежана, да представимо уметнике које је ове године публика имала прилике да слуша?
Ове године имали смо двоје изузетних уметника. То су Хаика Лубке и Франческо Виола. Хаика је соло пиколисткиња у оркестру Тонхале из Цириха (Швајцарска), професор за пиколо флауту на Универзитету уметности у Цириху ( ZHDK). Франческо је соло пиколиста у оркестру „Maggio musicale“ у Фиорентину у Фиренци (Италија).
Како сте дошли на идеју да организујете ову манифестацију и коме је она намењена?
Идеја је била да нашој, како стручној тако и широј, публици представимо пиколо флауту као инструмент који је изузетно заступљен на концертним репертоарима међународних концертних програма, за који већ постоји огроман репертоар и солистички и камерни, који се изучава као посебан предмет на већини европских и светских високошколских музичких институција. „Пиколо викенд“ намењен је пре свега флаутистима свих нивоа, од ђака ниже школе, студената, њихових педагога, али исто тако и широј концертној публици, јер је репертоар заиста богат и разноврстан.
Одржан је ове године трећи пут. Можемо ли рећи да она већ има своју публику?
Можемо слободно тако да кажемо. И што је још важније, публика се из године у годину проширује, те нам осим домаће публике долазе и посетиоци из региона, па чак и из других делова Европе.
Сви концерти се одржавају у Београдској филхармонији. Чини се да је то право место с обзиром на чињеницу да сте од 2002. па до данас стални је члан овог ансамбла на месту соло пиццоло флауте.
Београдска филхармонија је идеалан простор за тако нешто. Предивна камерна сала филхармоније са свим пратећим просторијама омогућава нам да реализујемо цео програм са радионицама, концертима, изложбама. Веома сам захвална Филхармонији што ми, као свом дугогодишњем члану, пружа велику подршку у остваривању ове „мисије“. Наш, нажалост покојни, директор Иван Тасовац био ми је ограмна подршка и дао велики подстрек и „ветар у леђа“ када сам припремала прво издање и заувек сам му захвална на томе.
Организовањем „Београдског пиколо викенда“ посебно сте скренули пажњу на овај инструмент. Оснивач сте првог „Пиколо студиа“ у земљи и региону, са програмом за усавршавање флаутиста на пиколо флаути у више нивоа. Како је студио концептуално осмишљен? Ко су полазници?
Пиколо студио је осмишљен као радионица у два нивоа: почетни и напредни. Почетни ниво је намењен асполутним почетницима на пиколо флаути, дакле ђацима, студентима и наставницима који немају никаквог претходног искуства са инструментом. Напредни ниво је за оне који су већ стекли неко искуство свирања на пиколо флаути, најчешће кроз оркестарску литературу, и који желе на овај начин да прошире и унапреде своје вештине, упознају се са основним аудиционим и такмичарским репертоаром, као и концертним репертоаром за пиколо.
Колико је интересовање за усавршавање на пиколо флаути?
Морам да кажем, са великим задовољством, да је интересовање из године у годину све веће. Највише се за усавршавање интересују студенти, који су свесни да без владања овим инструментом нису конкурентни нити за аудиције нити за наставак школовања/усавршавања у иностранству, а наш систем образовања још увек не нуди адекватну обуку за овај инструмент.
Да ли је пракса у оркестрима у свету да неко буде фокусиран само на пиколо флауту или флаутисти, према потреби, свирају и тај инструмент?
У свету је пракса да постоје музичари/флаутисти који су специјализовани за пиколо флауту, мада се подразумева да би сваки оркестарски флаутиста, без обзира на позицију, требало по потреби да свира и пиколо флауту, као и остале алтернативне инструменте - алт флауту, бас флауту, барокну флауту
Дипломирали сте и магистрирали флауту на београдској Музичкој академији у класи проф. Миодрага Азањца. Осим флауте завршили сте и Мастер студије за пиколо флауту на Конзерваторију „Ђузепе Верди” у Милану код проф. Никола Мацантија. Када сте се, током школовања, први пут сусрели са пиколом?
Захваљујући мојој професорки Нивес Андријашевић-Јанковић, сусрела сам се са пиколом већ током средње школе. Она је још пре више од три деценије била свесна колико је за флаутисту важно да проширује своје вештине и на друге сродне инструменте. Даље бављење инструментом сам наставила сама, до одласка на Мастер студије за пиколо у Милано, а затим и на неке мајсторске курсеве за пиколо у оквиру значајнијих фестивала. Најдрагоценије искуство стекла сам свирајући у оркестрима.
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
н а к о н ц е р т н о м п о д и ј у м у
СОМУС 2024.

У периоду од 24-28. октобра Сомбор се прикључио српским фестивалским градовима. Дванаесте „Сомборске музичке свечаности“ отворене је концертом виолинисте Данијела Роулинга и виолончелисткиње Маје Богдановић, који су извели програм под називом „Музика која спаја“. Сам назив симболично је упутио и у мото овогодишњег фестивала – „Музичке нити, породичне приче“. О томе у програмској књижици пишу и уметнички директори фестивала – Михајло Зурковића и Лидија Бизјак: „Ове године атмосфера је интима и позива у наш свет музичара испреплетен пријатељствима, познанствима, понекад и породичним везама. Ми ћемо једни другима долазити у госте на сваком концерту и сваке вечери вам причати једну посебну причу. Као некад окупљени око ватре. Биће ту тема за све: од породичних прича музичара – брачних партнера, сестара и браће, преко прича о судбинама једног народа, представљања наших најбољих композитора и једног старог клавира, до светских и српских премијера и путовања кроз векове све до доба Јуре! Свираће и млади, свираћемо и најмлађима, а слушаћемо сви заједно уметнике који пуне светске дворане. СОМУС-ова публика је већ дванаест година навикла на јединствене музичке доживљаје, ретке и у великим градовима. И ове године смо се потрудили да откријете нешто ново и уживате у најквалитетнијој музици и музичарима! Дођите нам у госте, чекамо вас“.
Били смо у гостима СОМУС-у и у овом тексту преносимо разговоре са музичарима који су наступили у оквиру фестивала.
МАЈА БОГДАНОВИЋ, виолончелисткиња
Како сте програмски спојили скоро неспојиво?
Као што је Данијел рекао на концерту потребни су контрасти у животу и у музици и има неких веза- Марсело Нисиман, који је наш пријатељ, он је био протеже Пјацоле. Он нас је увео у тај Пјацолин свет танга. Дело које је за нас написао и које смо извели, „Ноћне море смрти“, требало је да буде својеврсни па-де-де (paix de deux), да буде поетично (тако смо ми замишљали), али је њега много више инспирисала смрт и хтео је да да одговор на питање „Шта је ноћна мора смрти?“, а одговор је „Живот“. Тако да је дело, у ствари о животу. Васкс је исто композитор нашег доба. Добро га познајемо. Данијел је снимио његов „Концерт за виолину“. „Стари замак“ који смо свирали је веома спиритуално дело, а опет инспирисано музиком ранијих епоха. Баш као што у Марселовој музици чујемо Баха. Ми волимо да правимо контрасте и тако смо спајали неспојиво.
Централно дело које је извдено на концерту је „Дуо“ Золтана Кодаља. Мислим да је то композитор који је географски најближи месту у коме се ми сада налазимо.
Морам да приметим да је бис, можда, био и својеврсни увод у следећи концерт на коме свирате.
Тако је! Одсвирали смо само други и трећи став Шумановог квартета. Желели смо да свирамо цео, али није било времена, односно програм би био предугачак. Нема везе. Свираћемо следећег пута кад дођемо. Композиција је заиста прелепа. Као што је Лидија Бизјак рече: „Нема лепште изјаве љубави од спорог става Шумана“.
Како Ви видите музичке нити, односно концепт овог фестивала?
Има их свуда! Са Лидијом се знам још од малена. И са Сањом. Сања је са дванаест година дошла у Париз. Пре тога смо били у „Манојловићу“ заједно. Одрасле смо заједно. Са Паблом (Шацманом) са имала свој први гудачки квартет, тако и да и њега добро знам. Данијел је мој супруг. Причамо, дружимо се, чак не морамо ни да разговарамо на пробама. Једноставно, кад имате тај филинг са другима причате кроз музику. Некако се осећам природно и као код куће овде у Сомбору.
ДАНИЈЕЛ РОУЛАНД, виолиниста
Било је веома узбудљиво чути неке композиције које никада до сада нисмо имали прилике да чујемо на концерту. Извели сте неуобичајени програм са бројним премијерама у необичним комбинацијама композиција. Како сте дошли на идеју да га тако обликујете и која је главна идеја тог концепта?
Рекао бих да морамо заиста да будемо креативни када је у питању комбинација два инструмента какви су виолончело и виолина. Композитори, као што су Бетовен, Моцарт, Чајковски, Брамс, нису писали за овакав дуо. То значи да смо морали да пронађете нови програм или да се вратимо музици која већ постоји и направити аранжмане музике, на пример, Баха, Хендла и Скарлатија и других. То је свакако лепо. Постоје и неки композитори 20. века који су писали веома добру музику која такође може да се преаранжира, као што су Равел, Кодаљ и Мартину. Међутим, нема много таквих композиција. То значи да морате да одете и разговарате са савременим композиторима и замолите их да вам напишу нове комаде како бисте проширили свој репертоар. То је ствар коју такође волим да радим. Тако је, на пример, настао комад који смо вечерас извели, комад Марсела Нисинмана, који је нека врста дела у стилу танга, али танга који нас води на веома модерно и прилично мрачно место. Написао је ту композицију посебно за нас. За нас је писан и комад Петруса Васкса. То је прелепи пример духовне музике којом је осликан ентеријер старог замка. Дакле, са оваквим репертоаром можете створити нешто сасвим оригинално и проширити сопствени репертоар. Питали сте ме и која је била тема вечерашњег програма. Мислим да је то било као путовање. Путовање кроз време и повезивање веома контрастних, разноликих стилова који имају једну заједничку ствар - велику креативност и машту.
Звучно је веома узбудљива била веза између музике Сибелијуса и Васкса. Одабрали сте композицију коју је Сибелијус наисао као веома мали дечак. По мом мишљењу био је то звук детињтва. Са њом сте повезали музику Васкса која је пуна су пуне етеричности и на неки начин композиторовог односа према религији? Где ви видите ту везу између детињства, религије и вечности?
Мислим да је то на неки начин изгледало као веома природно. Јер Васкс је, наравно, као што сте рекли, написао веома духовно, веома дубоко дело. То нас спонтано поведе када свирамо... Заправо, могу вам испричати малу анегдоту. Рекао сам композитору Петерусу у Васксу, да постоји једна ужасна ствар у вези са овим делом које се зове Стари замак. Рекао сам му да кад год га свирамо у програму, није битно које друге комаде изводимо. Људи причају само о том делу. На крају сам му рекао – „комад који сте написали је предобар!“ А он је био толико сладак – рекао ми је „О, извини, тако ми је жао“. Наравно, то је за њега био и веома велики комплимент. Комад је духован и трансценденталан. Мој утисак је да када људи слушају Васкса они у мислима одлазе и на неко своје сасвим приватно место, на које их воде мисли и осећања. Можда и тужна сећања. Када свирамо једно тако снажно дело онда уз њега тражимо и неки комад који је заиста сасвим невин, чист и леп. Тако смо дошли до деветогодишњег Сибелијуса, који је ово мало дело написао док је био у шуми у Финској и замишљао да постоје вилењаци, тролови и сличне ствари.
Колико често, ви и Маја, имате прилику да свирате овакав репертоар?
Често. Наравно, радимо много, много, много други ствари. Наступамо као солисти и као камерни музичари. Међутим, мислим да је овакав програм за људе веома леп. Неки од њих знају да смо нас двоје у браку, да имамо и личну везу. Сада смо направили неколико заједничких снимака тог програма, па многи траже да свирамо баш овакав репертоар. За нас је то увек задовољство. То је интензивна музика за свирање. Не постоји тренутак да се можете мало опустити на сцени. Морате бити све време тамо. Али наравно, свирати са Мајом је дивно, и представља потпуно задовољство. Ми ћемо и даље наставити да тражимо од композитора да напишу све више дела за нас, тако да настављамо да проширујемо овај репертоар.
Ви сте веома популаран виолиниста овде у Србији. Како се осећате овде и како се осећате овде у Сомбору? Јесте ли овде први пут?
У Сомбору сам први пут. Сомбор је веома, веома, веома леп. Могу рећи да ме помало подсећа на Земун, одакле је Маја. Путовао сам по Србији и свирао. Имао сам задовољство да постанем део музичког живота у Србији. Када сам свирао новогодишњи концерт са Симфонијским оркестром РТС-а, водитељ, господин Пековић, ме је представио као српског зета. Ја то схватам као комплимент. И имао сам задовољство да свирам са Београдском филхармонијом пре неколико месеци. Када смо Маја и ја прошле недеље ишли улицама Београда, сусретали смо музичаре, препознавали смо се и већ се сви осећају као пријатељи. Много пре него што сам упознао Мају, пре 15 година, упознао Исидору Жебељан, дивну композиторку. То је била моја прва веза са Београдом. 2007. или 2008. године сам први пут дошао у овде захваљујући Исидори, и потом био можда четири, пет, шест пута. Тек касније сам упознао Мају. Сада је она део мог живота. Волим енергију и дух Србије.
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
н а к о н ц е р т н о м п о д и ј у м у
Уметност мора да се негује
Клавирски дуо Ведран Јањанин – Иван Крпан


Почетком новембра 2024. године, у сали Београдске филхармоније наступио је клавирски дуо кога чине двојица младих и талентованих уметника из Хрватске - пијанисти Ведран Јањанин и Иван Крпан. Они су у оквиру пројекта „Глазбени сувенири“ свирали и на 8. фестивалу „International piano fest“, који је одржан у Суботици. То су били поводи да са њима разговарамо о савременом пијанизму, музичким такмичењима и њиховим музичким породицама.
Клавирски дуо је увек интересантан састав, који публика воли да слуша. Којим програмом сте се представили публици?
Ведран: Да, свирање у дуу је заиста занимљиво. Обојица смо имали прилике да у таквом камерном саставу наступамо још у студентским данима. Чак и у извођењу комплекснијих дела као што су аранжмани чак осмороручних композиција за два клавира, са колегиницама, и колегама. Захваљујући Министарству спољних послова Републике Хрватске и велепосланству Републике Хрватске у Београду успели смо да направимо сарадању која нам је омогућила гостовање у сали Београдске филхармоније. За ту прилику смо изабрали интересантан разноврстан програм, стилски повезан у првом делу, а у другом су дела која су базирана на француском шансонском стилу. Концерт смо започели „Сонатом“ Антуна Соркочевића, која је прво дело писано у тој форми на овим просторима. Веома ретко се изводи. Затим смо свирали Бузонијеву транскрипцију финала Моцартовог „Концерта у Е-дуру“. То је сјајна, виртуозна и атрактивна композиција за два клавира. Свирали смо и Брамсове „Вариације за два клавира на Хајденову тему“. У другом делу извели смо Пуланков Капричо, потом дело хрватског композитора Алфија Кабиља, који је написао атрактивну позоришну свиту и за крај избор Брамсових „Мађарских игара“.
Када сте почели заједно да наступате?
Иван: То је занимљива је то прича. Познајемо се одавно. Увек смо желели да свирамо заједно, али нам се та жеља све до сада није остварила. Обојица имамо много професионалних обавеза, концерата. Ведран је неко време живео у иностранству. Ево, напокон је дошла прилика да се мало окупимо и направимо нешто заједно.
Како сте дошли на идеју да на овај начин конципирате програм?
Ведран: Идеја је била да мало промовишемо хрватске композиторе међу делима других стваралаца. Заиста има занимљивих композиција које сежу далеко у историју и стварно је сјајна музика. Тако смо дошли на идеју да први, класични део, посветимо једном периоду – од Соркочевића до Бузонија, који је у један аранжман Моцарту, и Брамса који је посветио своје варијације Хајдну, користећи једну тему из његовог корала. Тако да, некако увек покушавамо да пронађемо нешто што можда није свакодневни репертоар, али је повезано са неким периодом и да је за логичан след композицијама које свирамо. У таквом програму постоји велики простор за истраживање, за импровизацију, за експериментисање у разним комбинацијама.
Имате различите уметничке путеве, али су се они у једном тренутку сусрели у класи професора Рубена Далибалтајана. Како сте изабрали да се школујете код овог професора? Да ли је он бирао ас или ви њега и шта је искуство рада са овим педагогом вама донело?
Иван: Мени је професор Далибалтајан је увек импоновао као занимљив, инспиративан пијаниста и педагог, тако да сам веома рано уписао академију, са 16 година. Пре тога сам ишао на неке његове семинаре, упознао сам га, тако да је то кулминирало петогодишњом заједничком сарадњом. У његовој класи смо се Ведран и ја упознали. Током студија увек је било веома динамично. И данас класа професора Далибалтајана увек нешто свира, имају разне пројекте.
Ведран: Некако је то увек једна група људи, једна екипа која стварно цени музику, живи за музику и много ради како би публици донела нешто ново.
Ведране, колико је било значајно за младог уметника који студира да има тај подстрек од професора, да се појављујете заједно на сцени са другима, да свирате, да се ослушкујете као уметници у камерном музицирању. Бити камерни музичар можда публици која се не бави музиком изгледа једноставно, а ипак она ахтева добро препознавање и проналажење заједничке нити која ће омогућити да са другим извођачима градите добру интерпретацију.
Ведран: Да, баш смо коментарисали како нека, на изглед, једноставна литература, јесте веома изазовна за свирање, јер доноси некакву своју карактеристичност. У суштини је веома изазовно ускладити себе и композицију и направити такво дело занимљивим. Зато је свака наша проба је зато другачија. Некада се у потпуности слажемо како музика коју смо одабрали да свирамо треба да изгледа, а некада свако има свој уметнички доживљај. Међутим, мислим да тако треба да функционише сваки музичар. Пијаниста као солиста је дефинитивно нешто сасвим импресивно. Сам пролазиш процес који траје у коме самостално осмишљаваш интерпретацију. Али спојити се у дуу, трију, а поготово у клавирском дуу, где се на два клавира, изводи музика која, у истом звуку, треба да буде комплементарна. То је посебан изазов, јер захтева да истражујемо боје инструмента које су сличне, али опет и различите.
Иване, у којој мери је Ведранов уметнички сензибилитет одговарао вама? Да ли сте морали да се прилагођавате један другом?
Иван: Искрено, чини ми се да је о свим уметничким питањима публика та која треба да да свој суд и своје мишљење. Ми као извођачи увек дајемо најбоље од себе. Да ли се то људима допада или не – то је по мом мишљењу и права лепота музике јер људи могу другачије да је схвате. То не значи да им се не допада. Напротив. Само свако од нас има свој доживљај уметности. Због тога публици треба представити и композиције које нису често на рапертоару. Треба слушати музичаре уживо. Тако се остварује боља повезаност и музичара на сцени и оних који их слушају. У клавирском дуу пијанисти морају да дишу заједно, морају да осећају заједно. Зато овакав састав данас није чест, али мени је занимљиво да себе као уметник искушавам у таквој сарадњи.
Оно што је интересантно Иване jесте да сте са само 20 година постали победник једног од најпрестижнијих светских пијанистичких такмичења „Феручо Бузони“. Како данас гледате на тај тренутак?
Иван: Имам много лепих успомена и мислим да је учешће на једном таквом такмичењу велики корак напред за сваког пијанисту.
Како одлучите на које такмичење ћете ићи?
Иван: То је ишло некако природно са студирањем. Одлучио да ћу студирати клавир, а с обзиром на чињеницу да сам томе желео у потпуности да се посветим такмичења су постала сасвим очекивана. Шта значи свирати јавно, шта значи свирати велики програм, шта значи свирати са оркестром, свирати камерну музику, а не знати где си у односу на своју генерацију? Томе значајно помажу такмичења јер у самој припреми, у том интензивном проучавању музике уметник изграђује себе. У том смислу она су велики корак напред и могу пружити додатну мотивацију.
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
м у з и к а и о к о њ е
ПОВОДОМ 100. РОЂЕНДАНА
РАДИО БЕОГРАДА

Глас Ксеније Роговске-Христић, солисткиње Београдске опере између два светска рата, био је први који се пре сто година чуо са најстаријег електронског медија на Балкану – Радио Београда. Певала је тада арију из чувене опере „Тоска“ Ђакома Пучинија, а значајан број њених снимака чува се и данас у Звучном архиву Радија. Поводом великог јубилеја ово је прилика да се завири у тонски архив и присетити се улоге уметничке или озбиљне музике на радију од почетка емитовања. Као поднаслов овог текста могао би да стоји и назив капиталне књиге Даринке Симић Митровић, „Da Capo Al Infinito“, која је објављена 1988. године, између две 50. годишњице.
У суботу 12. октобра 2024. године, у Музеју науке и технике, у оквиру изложбе „Из века у век“, приређена је драмска реконструкција првог пробног емитовања радија која је обухватила и концерт уметничке музике. То је било подсећање на пробно емитовање које је било 19. септембра 1924. године. Кроз одломке текста Љубомира Коцића, из 1985. године под називом „Музички програм Радио Београда“ подсетићемо се тога доба.
Уређење радиофонског студија и музичке емисије
„У Мезанину уређен је радиофонски студио, у једној пространијој соби, у којој је, поред микрофона и клавира, било око двадесетак столица за публику, која је присустувала извођењу музичких емисија. Сам студио није имао неку посебну акустичку обраду, осим плишаних завеса на прозору и стакленим вратима. Радио Београд Раковица редовно емитовао програм у у трајању од једног сата, и то у почетку три пута недељно, а већ од 1925. године свакога дана.
Програм су сачињавале музичке емисије под називом „Радиофонски концерт“ или „Радиоконцерт“, затим дневне информације под називом „Новости“ или „Дневне новости“ и на крају редован берзански извештај. Емисије нису биле строго временом ограничене, већ су трајале онолико колико је садржај емисије захтевао. Све емисије су редовно објављиване у 15-одневном прегледу европских радиостаница са назначеним називом станице, таласном дужином и временом емитовања.
Највећи проблем у емитовању музике представљали су ниски тонови са малом учесталошћу и веома мали број остварених аликвотних тонова, тако да су се јављала јака изобличења. Боја тона појединих инструмената толико се изобличавала да се веома тешко распознавало који инструменти свирају. Тадашње искуство, не само наше него и светско, показало је да су у условима тадашњег техничког савршенства најпогоднији за емитовање људски гласови и то оба женска, а од мушких само тенори.
Од музичких инструмената клавир се показао као најпогоднији јер је давао најмања изобличавања тона. Све то је условило нужност да музички програм углавном сачињавају певачи уз пратњу клавира“.
Емитовање музике на Радио Раковици
„Посебан чисто технички проблем представљало је емитовање музике са плоча, јер још није била пронађена електронска репродукција, већ се репродуковало на обичном грамофону са трубом испред које је стављен микрофон. Ако се зна да су тих година и грамофонске плоче снимане механичким поступком чиме су добијале и лако препознатљиво изобличавање звука, онда се може претпоставити колико је емитовање музике са плоча неподношљиво ружно деловало на слушаоце.
Наведене чињенице потврђују заблуду да се на програму Радио Раковице сва музика емитовала углавном са грамофонских плоча. Највише је емитована живо, извођена у студију, а само изузетно са плоча. Када су, једно време, током 1925. године, наступиле организационе тешкоће са стварањем живих емисија, музичке емисије су замењиване предавањима. Веома су оскудни и недовољни подаци о музичким емисијама Радио Раковице, међутим и на основу онога чиме располажемо, може се стећи у виду основне контуре целине програма. Тако се зна да су Стеван Христић, Ловро Матачић и Јован Србуљ веома ангажовано радили и сарађивали у организовању музичких емисија. Пратиоци солиста на клавиру најчешће су били Матачић, Србуљ и Гера Сименко. У јавности су биле запажене емисије истакнутих солиста Београдске опере - Евгеније Роговске, Надежде Стајић, Евгеније Пинтеровић, Живојина Томића, Драгутина Петровића. Велика популарност народне песме, нарочито у интерпретацији Мијата Мијатовића, давала је овим емисијама посебну вредност код најширег круга слушалаца. Занимљиво је да је Мијатовић народне песме певао уз клавирску пратњу, коју је као такву обрадио и штампао Јован Фрајт. Овако објављене народне песме, претежно из репертoара Мијата Мијатовића, врло брзо су унете и у програм оперских певача. Све живе емисије извођене су у присуству публике, што је код извођача стварало атмосферу као на јавним концертима, која ће се касније изгубити у студијској изолацији, а још више умртвити поступком снимања и монтаже музике на тракама.
Живојн Томић, сeћајући се емисија у Радио Раковици, увек је наглашавао да једино на тим емисијама никада није имао трему, јер је пред собом имао живе људе којима је непосредно певао. А када је касниjих година био затваран сам у студију, и још кад би се упалио опомињући црвени транспарент, осећао је велику трему коју се никада није могао ослободити“.
ИСТОРИЈА РАДИО БЕОГРАДА И ОЗБИЉНЕ МУЗИКЕ
Интересантна су и сећања Михаила Вукдарговића на почетке емитовања Радио Београда А.Д, 1929. године. Он се тада налазио на месту шефа музичког програма и био је оснивач оркестра Радио Београда. Те успомене је поделио у емисији „Време музике“, 7. марта 1971. године, са Даринком Симић Митровић.
„Били су то скромни почеци, држава није хтела да ризикује ништа и да улази у тај посао, него је концесију за изградњу станице и програма пустила приватном капиталу. Међу београдским и нашим капиталистима није било оних који се хтели да усуде да уђу у тај посао, бојали су се да је то некакав ризик, него се појавила лондонска компанија „Маркони“ која је уписала све акције. Тако је то био радио АД са енглеским капиталом, све до 1940. када га је држава преузела. А како су изгледали ти први програми? Пре свега први стални ансамбл музички на Радио Београду био је Радио квартет. Тај ансамбл је први пут свирао 18. марта 1929. године. То је био дан када је Београдска емисиона станица стављена у промет. Извели су од Чајковскога „Баркаролу“, Пучинија „Тоску“, оперску фантазију Рихарда Штрауса, две песме Рахмањинова, „Успаванкау у еф-молу“ од Леа Фала и „Валцер“ из оперете „Стамурска ружа“.
У које време је ишао тај програм на радију? Колико сати?
Емисије су почињале рано ујутро, у 5-6 сати и ишле су до 12 сати ноћу.
Када је било време време за озбиљну музику?
За озбиљну музику су били су вечерњи часови. Осим малога састава Радио квартета, одмах је створен и један мали радио џез оркестар за музику за игру. Народну музику су представљали Цигански оркестри. Први је био оркестар Јована Стојановића, затим популарног Анте Грујића. Они су свирали севдалинке. То никада није био чисти фолклор. У тој музици је било много оријентализама и циганских елемента итд. И било је преноса из кафана.
Директих преноса из кафана?
Да, директих преноса. Ја сам лично, по дужности, кад сам дошао на место руководиоца народне музике, 1936, а за шефа програма 1937. имао задужење да кренем од Чубуре и да чујем шта се свира у тим кафанама и шта би нама било интересантно да преносимо.
То је и Пешта радила и то је тада било доста модерно.
Како је публика реаговала код тих преноса?
То је било веома популарно. Све је имало посебан шарм.
Преноси су реализовани обично суботом, када је у кафани било доста света. Увек смо тражили где су интересантне певачице и само оне народне музике. На пример, ја сам отишао у бар код „Руског цара“. Тамо су често певале добре певачице које су на репертоару имале и шансоне. Публика је волела твз. Лаку музику. Поред музике из кафана преносили смо и представе из опере.
Морам да вас упитам како сте то чинили, јер ми ни данас не успевамо да направимо добар пренос из опере.
Користили смо телефонске везе, правили специјалне линије. Било је сметњи у звуку. Радили смо и преносе из иностранства - из Беча, Прага, са Салцбуршког фестивала, из Бајројта и увек преко тих телефонских линија. То је било јако сумњиво у погледу квалитета, али је било и велика атракција. Тако је то почело. Али почеле су и емисије камерне музике. Споменућу рецимо о трију у то време. Петар Стојановић, виолина, Јован Мокрањац, виолончело и Емил Хајек, клавир. Они су наступали као трију. Долазио је и Загребачки квартет да свира живо. Везе са загребачком станицом и љубљанском су постојале.
Ствари су се развијале, ширио се и програм. Кад сам ја, 1937. године, дошао на место шефа музичког програма, направили смо реорганизацију. Формиран је Велики радио оркестар, убрзо и Хор, направљена је библиотека. Ансамбли су кренули и са концертима. Активност је била велика. Поред мене је у програму радио и секретар програма, покојни доктор Војислав Вучковић. Ми смо у сезони 1938/9. са оркестом дали 25 симфонијских концерата, а на сектору камерне музике 29 камерних концерата. Од тога је један део био јавни концерт у десет сати увече у Македонској, у студију. На тих 29 камерних концерта изведено је 21 дело домаће музике.
Ја морам сада да вас подсетим на једну непријатну епизоду из тог периода. Наиме из овог разгора видели смо колико је био успешан рад на Радио Београду, па ипак непосредно пред рат, колико знам, и Ви и доктор Вучковић били сте отпуштени.
Јесмо, то је био момент кад је држава преузела руководство радиостанице, односно преузела у своје руке то све и то је била већ политичка промена, оријентација ка Немачкој, ка силама осовине, долазак Станислава Кракова за програмског директора на место Вељка Петровића, који је такође био отпуштен. Нама су само рекли „немојте више долазити“, добили смо три плате и напустили смо...
Реците још нешто о односима музике на програму.
Чини ми се чак боље него данас. Знате, на 61,33% музике долазило је 38,67 говорних емисија, а од тих музичких емисија 21% је припадао сериозној музици, 19% лакој и 16% народној и музици за игру три.
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
м у з и к а и о к о њ е
XII Такмичење
„Српска соло песма“

Јединствено Такмичење „Српска соло песма“ одржано је дванаести пут у Младеновцу. Његови „духовни оци“ су - магистар соло певања Славко Николић и сам изврсни тумач српске вокалне лирике и Нада Торбица Ђокић, директорка младеновачке Музичке школе „Стеван Христић“, која је од оснивања основне музичке школе начинила предивни кутак са зеленилом и домаћинским шумадијским гостопримством ко дође на интерне и јавне часове, предавања или такмичења. Обавеза учесника је да на такмичарским програмима имају увек и једну српску соло песму без обзира ком узрасту и којој такмичарској категорији припадају. С тим у вези они су једне године сазвали састанак у Удружењу композитора Србије са молбом да музички ствараоци пишу соло песме, посебно за оне најмлађе, које би биле певљиве и не претерано захтевне, али по том питању нико им се није одазвао, јер данашњи аутори углавном стварају атоналну музику коју је с правом недавно преминули академик Дејан Деспић назвао „мртворођеном“ коју интерпретатори не прихватају и која завршава „у фиоци“ кад је написана. Његова није таква и читави циклуси соло песама на стихове заљубљеника у Дубровник, на челу са Дучићем или на речи наше највеће поетесе – Десанке Максимовић, део су његовог стваралачког опуса. Једна од таквих је и хуморно обасјана „Реформатор“ коју је изванредно рељефно управо на овом такмичењу представио ученик треће године средње музичке школе одсека за соло певање Никола Нејчев, коме су чланови жирија сложно дали по 95 поена чиме је освојио прву награду, али он припада оној категорији „одабрахних“ са интонативно и дикцијски прецизним изразом који се интелигентно и аналитички упуштају у интерпретацију дела.
Међу мушким извођачима на мене је посебан утисак оставио и осамнаесетогодишњи баритон Тодор Радосављевић, који је у својој категорији такође освојио прву награду (и ту је жири био сагласан и сви чланови дали су му по 94 поена); он је претходно завршио и клавирски одсек основне музичке школе и пева осећајно и изражајно. Обрадовало ме је да ова школа има тако квалитетног такмичара, а и професоре од којих имају шта да науче - Владимира Булатовића – секретара жирија такмичења од првог дана и посебно надареног краснописца, који исписује захвалнице и дипломе, које ће учесници чак и по његовим словима чувати и памтити и Ану Станковић, која је и сама некад била првонаграђена такмичарка „Српске соло песме“. И треће пријатно младеновачко изненађење - такмичење је пратио сјајни пијаниста Ненад Пауновић, један од оних готово идеалних – изузетно музикалних који даје подстрекујућу подршку младим певачима.
Кад смо код клавирских сарадника – они могу много да учине да подигну квалитет извођења; некад су и сами врло креативни као Катарина Јовановић (са истим именом и презименом као и наша позната вокална уметница и чувена шахисткиња, вишеструка првакиња Југославије и такође дипломирана пијанисткиња) или Емилиа Миодраг, која је позната чембалисткиња и која нежно и „сребрно“ прати и на клавиру младе такмичаре, или веома ангажована панчевачка пијанисткиња Маријана Марчек, или Јасмина Вукашиновић, некадашње наше „чудо од детета“, која је данас сазрела у чудесну пијанисткињу... Свој посао професионално, али без ентузијазма и оне тако пожељне „личне ноте“ обављају и они други по којима би се њихове интерпретације памтиле... Тако је и међу педагозима соло певања: неко као Валентина Ташкова раде свој посао пресавесно и посвећено, проводећи са ђацима читав дан (па и живот?) – она је претходно завршила и виолински одсек средње музичке школе те не само да све проосећа него, како виолинисте „бије глас да чују и како трава расте“ све и чује!
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
м у з и к а и о к о њ е
Једно сасвим посебно
музичко пријатељство
На фестивалу НЕО 1. и 3. јула наступили јапански уметници уз подршку ЕУ-Јапан Феста

Фестивал НЕО – некласични фестивал класичне музике - ове године понудио је публици Новог Сада осам концерата различитог жанровског опредељења. Тако се на фестивалским вечерима могло уживати у звуцима традиционалних напева са подручја Балкана, али и у опусима бечких класичара, романтичара или пак оних аутора који су крочили у воде нешто савременијих хармонија и стилова 20. века. Под овогодишњим мотом „У сазвежђу музике“, уметници из читавог света крстарили су различитим орбитама, а заједничко свима њима била је посвећеност партитури, разумевање тежње за врхунским извођењем. Једно такво музичко разумевање потекло је у оквиру сарадње са фондацијом ЕУ-Јапан Фест која већ више година промовише младе јапанске уметнике код нас. Наиме, група јапанских музичара обележила у два наврата овогодишњи НЕО фестивал пруживши публици инвентивно извођење камерних опуса шпанских аутора, те композитора класике, импресионизма и џеза. На првом концерту, под називом „Вива Еспања“, јапански камерни ансамбл у саставу Муцуми Ито, флаута, Кеничи Фуруја, фагот, Јукико Уно, виолин, Фумика Мори, виолин, те Шиносуке Инугај, клавир, представио се делима Де Фаље, Албениза, Сарасатеа, Турине, те савремене ауторке Тање Леон. Избор страствених, екстремно виртуозних дела показао је да музика заиста не познаје ни границе, ни језичке баријере, јер су музичари Далеког Истока остварили запањујуће надахнута извођења после којих се тражио и бис, премда је концерт премашио уобичајену сатницу. Још једно фестивалско вече обележила је изванредна даровитост младих Јапанаца. Био је то концерт под именом „Сусрет класике и џеза“. Обухвативши програмом широку палету историје музике од класике 18. века до занимљивих џезерских обрада из прве половине 20. века, они су показали да владају с подједнаком посвећеношћу различитим жанровима, те да је за њих искорак у популарну културу узбудљива звучна авантура.
Сарадња са НЕО фестивалом ове године се, међутим, није завршила само на два поменута концерта. Уметници из Јапана наступили су на спектакуларном затварању НЕА, изводивши, заједно са музичарима Дунавског симфонијског оркестра, чувене „Планете“ Густава Холста. Овај аудио-визуелни доживљај на којем је публика пратила музику под диригентском палицом маестра Максима Ризанова и истовремено видео пројекцију планета на зидинама катедрале у Новом Саду, остаће за јапанске музичаре, али и за све оне који су били на сцени или у гледалишту, перформанс који ће се дуго памтити и препричавати. И то није све. Јапански музичари додали су, поред уметничког ангажмана, и дозу едукативног подстрека. Наиме, Кеничи Фуруја је одржао мастер клас фагота у Музичкој школи „Исидор Бајић“, чиме је заокружио овогодишњу јапанско-српску сарадњу. Спрега НЕО фестивала и ЕУ-Јапан Феста на овај начин била је апсолутно успела и плодотворна, те је сва прилика да ће се она наставити и у будућности.
м у з и к а и о к о њ е
Стасавање нових
композиторских снага
(мај 2024)

Има неке чаролије у месецу мају, месецу у ком природа почиње да буја, зелени и опомиње нас да предстоји поновни циклус раста у којем она пред нашим очима изводи своја ремек дела. Није зато необично што се важне и велике ствари догађају у мају и у свету образовања: неки завршавају један циклус учења и посвећују се неким будућим знањима, а други сумирају резултате свога вишемесечног рада и откривају их јавности. То се управо десило у Културној станици Свилара у суботу, 11. маја, када су пред препуном салом четири студента композиције Академије уметности у класи уважене композиторке проф. Александре Вребалов представили своје најновије опусе. Но, нису били у питању само звучни резултати чије су премијере заинтересовале публику наклоњену новој уметничкој музици. На програму су се, наиме, нашли и и видео радови студената одсека Аудио-визуелних медија, инспирисани неким од ових опуса, у којима су они настојали да камером „ухвате“ приче које су одабраним музикама наслутили.
Александра Вребалов, композиторка чије се име и у свету и код нас изговара с посебним поштовањем и уважавањем, ове године је, поред вишемесечног заједничког рада, подржала своје студенте на самом почетку вечери, пригодним обраћањем публици у којем је представила значај промовисања нових дела, пут који је пређен да би се до њих стигло, узбудљиву причу о међусобној сарадњи аутора и извођача у току припреме овог концерта, те указала на синергију музичких и аудио-визуелних радова, коју је иницирала заједно са деканом Академије уметности, проф. Синишом Боканом. На програму који је, разуме се, имао пажљиво осмишљену драматургију, најпре се нашла композиција Давида Мастикосе под необичним називом Дрекавац у извођењу Сњежане Павићевић. Аутор чија је каријера у успону, поготово после прошлогодишње успешне премијере опере Вишња са златном коштицом, овом приликом се представио делом за соло пиколо флауту. Неуобичајен избор инструмента највишег у својој врсти апсолутно је одговарао „гласу“ митског бића које је инспирисало композитора за ово остварење. Изузетно богата звучна палета на којој је инсистирао, уз проширене технике свирања на овом инструменту, допринели су концертном „оживљавању“ створења чији нам се глас обраћао час тихо и умилно, час застражујуће оштро и пискаво. Запањујуће ефектна градација различитих музичких расположења, уз вешто осмишљене украсе, спајање гласа који изводи са звуком који се изводи, зналачки раскошно употребљен опсег једне пиколо флауте (која се иначе користи ретко и обично за специфичне моменте), означили су ефектан почетак концерта. Драматуршки мудро, следио је Ваздух за гудачки квартет Миливоја Пићурића у извођењу Душана Обреновића, виолина, Андријане Дурмишевић, виолина, Марије Божић, виола, Теодоре Ускоковић, виолончело, из класе проф. Т. Калмар. Аутор је остварио у овом опусу програмску музику у најбољем смислу те речи, настојећи да пажљиво извајаним деоницама инструмената дочара осећај лебдења, промицања невидљивог, а осетљивог, речју, успешно је музички језиком одвојио публику „од земље“, преводећи је не само у ваздушно стање, већ можда и у стање изван реалности. Најмлађи међу композиторима, Алексеј Мрдаковић, одлучио се на састав клавир, виолина, кларинет и виолончело у свом остварењу Kafs (Cuffs енгл. лисице на затворениковим рукама). Најавивши у програму да је реч о делу које је писано за представу Злочин и казна, он је успео да у партитуру унесе – како је и сам истакао – Раскољников раздор у души, у чему се маестрално користио посебно кларинетом који је – како се то данас радо каже – „издоминирао“. Но то не значи да је остатак ансамбла био у другом планом. Напротив. Три „гласа“ насупрот кларинету из квартета Пнеума чинили су савршен звучни свет (који је ишао и до танга), а којим је аутор „објаснио“ мучну, тешку, трагичну и драматичну судбину главног јунака чувеног романа Ф. Достојевског. У наставку је изведено дело Димитрија Бељанског под називом АЛН-ЦМИ 2023. Како је и приказано у пројекцији, оно је засновано на графичкој партитури, а инспирисано делима Пејтона МекДоналда. У њему се истражује импровизација (до границе перформанса!) на ауторове чудне цртеже, записе, крокије, квадрате који подсећају на оно кад се оловка занесе, док мисли лутају или се необуздано роје. Димитрије Бељански, и сам учесник у извођењу, објаснио је да је са свирачима настојао да до извесне мере договори ток музике, али да ће резултат ипак бити изненађујући и нов, чиме је потврдио духовиту тврдњу да је свака импровизација добра само ако је мудро унапред припремљена, чак и ако та припрема јесте плодан разговор, размена мисли и тренутних осећања.
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
м у з и к а и х р а н а
Кекс торта за 30 минута
Предрага Митровића, кардиолога и уметника

Има неке чаролије у месецу мају, месецу у ком природа почиње да буја, зелени и опомиње нас да предстоји поновни циклус раста у којем она пред нашим очима изводи своја ремек дела. Није зато необично што се важне и велике ствари догађају у мају и у свету образовања: неки завршавају један циклус учења и посвећују се неким будућим знањима, а други сумирају резултате свога вишемесечног рада и откривају их јавности. То се управо десило у Културној станици Свилара у суботу, 11. маја, када су пред препуном салом четири студента композиције Академије уметности у класи уважене композиторке проф. Александре Вребалов представили своје најновије опусе. Но, нису били у питању само звучни резултати чије су премијере заинтересовале публику наклоњену новој уметничкој музици. На програму су се, наиме, нашли и и видео радови студената одсека Аудио-визуелних медија, инспирисани неким од ових опуса, у којима су они настојали да камером „ухвате“ приче које су одабраним музикама наслутили.
Александра Вребалов, композиторка чије се име и у свету и код нас изговара с посебним поштовањем и уважавањем, ове године је, поред вишемесечног заједничког рада, подржала своје студенте на самом почетку вечери, пригодним обраћањем публици у којем је представила значај промовисања нових дела, пут који је пређен да би се до њих стигло, узбудљиву причу о међусобној сарадњи аутора и извођача у току припреме овог концерта, те указала на синергију музичких и аудио-визуелних радова, коју је иницирала заједно са деканом Академије уметности, проф. Синишом Боканом. На програму који је, разуме се, имао пажљиво осмишљену драматургију, најпре се нашла композиција Давида Мастикосе под необичним називом Дрекавац у извођењу Сњежане Павићевић. Аутор чија је каријера у успону, поготово после прошлогодишње успешне премијере опере Вишња са златном коштицом, овом приликом се представио делом за соло пиколо флауту. Неуобичајен избор инструмента највишег у својој врсти апсолутно је одговарао „гласу“ митског бића које је инспирисало композитора за ово остварење. Изузетно богата звучна палета на којој је инсистирао, уз проширене технике свирања на овом инструменту, допринели су концертном „оживљавању“ створења чији нам се глас обраћао час тихо и умилно, час застражујуће оштро и пискаво. Запањујуће ефектна градација различитих музичких расположења, уз вешто осмишљене украсе, спајање гласа који изводи са звуком који се изводи, зналачки раскошно употребљен опсег једне пиколо флауте (која се иначе користи ретко и обично за специфичне моменте), означили су ефектан почетак концерта. Драматуршки мудро, следио је Ваздух за гудачки квартет Миливоја Пићурића у извођењу Душана Обреновића, виолина, Андријане Дурмишевић, виолина, Марије Божић, виола, Теодоре Ускоковић, виолончело, из класе проф. Т. Калмар. Аутор је остварио у овом опусу програмску музику у најбољем смислу те речи, настојећи да пажљиво извајаним деоницама инструмената дочара осећај лебдења, промицања невидљивог, а осетљивог, речју, успешно је музички језиком одвојио публику „од земље“, преводећи је не само у ваздушно стање, већ можда и у стање изван реалности. Најмлађи међу композиторима, Алексеј Мрдаковић, одлучио се на састав клавир, виолина, кларинет и виолончело у свом остварењу Kafs (Cuffs енгл. лисице на затворениковим рукама). Најавивши у програму да је реч о делу које је писано за представу Злочин и казна, он је успео да у партитуру унесе – како је и сам истакао – Раскољников раздор у души, у чему се маестрално користио посебно кларинетом који је – како се то данас радо каже – „издоминирао“. Но то не значи да је остатак ансамбла био у другом планом. Напротив. Три „гласа“ насупрот кларинету из квартета Пнеума чинили су савршен звучни свет (који је ишао и до танга), а којим је аутор „објаснио“ мучну, тешку, трагичну и драматичну судбину главног јунака чувеног романа Ф. Достојевског. У наставку је изведено дело Димитрија Бељанског под називом АЛН-ЦМИ 2023. Како је и приказано у пројекцији, оно је засновано на графичкој партитури, а инспирисано делима Пејтона МекДоналда. У њему се истражује импровизација (до границе перформанса!) на ауторове чудне цртеже, записе, крокије, квадрате који подсећају на оно кад се оловка занесе, док мисли лутају или се необуздано роје. Димитрије Бељански, и сам учесник у извођењу, објаснио је да је са свирачима настојао да до извесне мере договори ток музике, али да ће резултат ипак бити изненађујући и нов, чиме је потврдио духовиту тврдњу да је свака импровизација добра само ако је мудро унапред припремљена, чак и ако та припрема јесте плодан разговор, размена мисли и тренутних осећања.
(Комплетан текст у штампаној верзији ревије)
